Star Trek: En la oscuridad

En el mercado actual, las secuelas de una película de éxito son necesarias, pensadas y calculadas casi al mismo tiempo que el film inicial. En el caso de la saga Star Trek, las secuelas son casi una plaga, innumerables a lo largo de las diferentes versiones de la serie original de televisión, con unas diferencias de calidad abismales.

J. J. Abrams lo tenía clarísimo, su versión del 2009 debía tener una secuela a sus manos, justo antes de emprender el salto galáctico al enorme reto de Star Wars.
Star Trek: En la oscuridad es una segunda parte, un blockbuster veraniego de una franquicia veterana y revitalizada años antes. Repiten los guionistas: Roberto Orci, Alex Kurtzman y Damon amado/odiado Lindelof, repite el reparto (Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, John Cho y Anton Yelchin) y repiten las sensaciones de hace unos años. Muy buena película, entretenida, espectacular pero acomodada, perdiendo parte del factor sorpresa que la novedad traía a la entrega anterior.

No hay mucha sorpresa gracias a la extensísima campaña de publicidad y a los dos meses de retraso respecto al estreno americano, la amenaza está representada por un soberbio Benedict Cumberbatch, el Sherlock de la genial serie de la BBC, un terrorista que amenaza a la Federación. Sin entrar en harina ni spoilers, Cumberbatch se luce en los momentos que puede que quizás no sean demasiados pero muy bien dosificados a lo largo del metraje. Y es que este hombre, con una mirada, intimida.
Entre las nuevas incorporaciones al reparto encontramos Alice Eve y el gran Peter Robocop Weir con un papel bastante memorable.

Ninguna pega al aspecto visual, técnicamente impecable, con efectos brillantes y si no tienes problemas con las luces de Abrams (hay un par de escenas en el puente de la Enterprise donde los destellos son insufribles) la disfrutarás de sobra. Mención aparte a la banda sonora de Michael Giacchino, espectacular desde el primer minuto.

La película se mantiene, durante las dos horas de duración, a un nivel muy alto, tanto de calidad como de entretenimiento. Combina a la perfección la espectacularidad de las escenas de acción (el prólogo, como ejemplo perfecto) con partes de diálogo, con un sentido del humor muy de agradecer, sobre todo a cargo de Bones o Scotty.
El eje argumental de la película, ademas de la amenaza Cumberbatch, reside en la dualidad Kirk / Spock, uno demasiado humano y otro muy vulcaniano.
Visceralidad contra matemática racionalidad que deben de buscar un punto de equilibrio común para que todo funcione.

La película lo tiene todo y usa sus armas a la perfección para ser un entretenimiento brillante pero hace inevitable el volver siempre a una entrega anterior de la saga y eso es lo que se echa en falta, si nos ponemos exigentes. Un poco mas de riesgo, añadir un toque de aire fresco y alejarse del canon marcado anteriormente. Es solo una pequeña queja, echar en falta una pizca de sal que hubiese sido la guinda perfecta al renacimiento de la franquicia en la gran pantalla.
Pero no se puede tener todo y lo que hay y tal como está, es francamente brillante.

Clásica y modélica, no os la perdáis.

A walk on the wild side

Triple sesión malsana: Maniac, The lords of Salem  y Stoker, tres películas que es imposible que dejen a uno indiferente y sentado tranquilamente en el sofá, de esas cintas realizadas para remover... tripas, por supuesto.

Maniac (Franck Khalfoun, 2012) es un remake de la película del mismo título de 1980, dirigida por William Lustig y, en este caso, llega en forma de coproducción Francia\USA con Alexandre Aja como productor y guionista.
La película nos pone en la piel de Frank Zito, un temible Elijah Wood, un tipo raro que vive rodeado de maniquís y traumas de infancia y con una malsana obsesión: acechar mujeres y cortarles la cabellera.
Cosas de la vida.

Estableciendo un paralelismo mas que evidente, Maniac es el Drive de lo trash. Un estilo visual impecable, impactante y centrado en su protagonista, prácticamente en primera persona, poniéndote en la piel del killer, en sus propios ojos. La tensión no se supera fácilmente y muchas veces cuesta quedarse con el punto de vista de Frank, tomando como referencia las manos, la vista y la voz de Elijah Wood, poco visible pero muy presente en la película, con un excelente trabajo.

Éste punto de vista favorece la implicación personal del espectador con la mente destrozada del protagonista, a medio camino entre la pena y el horror mas profundo, una perfecta disección de la mente psycho.
Sus primeros minutos, hasta la aparición del título, son un perfecto reflejo del resto de la película: tensa, cruda, desagradable, hasta su sangriento final.
No apta para mentes sensibles pero absolutamente recomendable.

"The Lords of Salem" (Rob Zombie, 2012) es pura polémica. No creo que haya un punto intermedio, o te gusta o la odias, pero no debe existir sitio para la indiferencia.

El argumento tiende un puente entre el pasado y el presente, con una locutora de radio (Sheri Moon Zombie) que recibe un extraño vinilo de un grupo desconocido,  The Lords. Su vida comienza a descender por una extraña espiral hacia el mismo infierno.

La historia en sí no es ninguna maravilla, la verdad. Tenemos brujas, maldiciones y al demonio, con un toque musical y una investigación histórica. Bien, lo justo.
Donde destaca, sin lugar a duda, es en su aspecto visual y conceptual.
El demonio en una cruz roja de neón. Tal cual.
Las actuaciones van justitas, empezando por la mujer del director y protagonista, pero destacan la tripleta de señoras, esa especie de "chicas de oro" algo raras.

Atmósfera inquietante, apariciones imposibles y un frenesí final que pone el broche perfecto a la película. Quizás Zombie peque de ambicioso, intente acercarse al (atención a lo que voy a decir) delirio visual mas propio de un Kubrick lisérgico pero mas basto y con tendencia a la provocación.
La cuestión es que funciona, pese a su déficit de guión e impacta.
¿Una escena?: Heidi entrando en el apartamento número 5 para comprobar lo que hay, en realidad, en su interior.
Excelente.
No es película para dejar reposar, es de visionado inmediato, visceral.

"Stoker" es, sin duda, la película mas redonda de las tres de esta sesión. Dirigida por un Park Chan- Wook (director de la imprescindible Oldboy, entre otras) que sigue sin renunciar a su particular ritmo narrativo (¿arrítmico?) y un estilazo visual que quita el hipo, la clave del film recae en el guión, minucioso y malicioso, escrito por, atención, Wentworth Miller, mas conocido por ser Scofield, el escapista tatuado de Prison break.

India (Mia Wasikowska) pierde a su padre en un misterioso accidente, quedándose sola con su madre (Nicole Kidman). Pero la irrupción de su desconocido tío Charles (Matthew Goode) cambiará por completo su vida y su forma de pensar y actuar.

Lo peor que te puede pasar es que te cuenten demasiado de la película. Avanza lenta pero segura, incorporando progresivamente piezas al puzzle que plantea la personalidad de India.
Mia Wasikowska resulta una protagonista excelente, con una interpretación muy buena, llevando al personaje al borde de la vida adulta sin dejar atrás su adolescencia. Nicole Kidman resulta una creíble mujer de plástico, despreocupada y Matthew Goode inquieta solo con su presencia, extraña e incomprensible.

Ritmo lento pero constante, con mucha fuerza visual y que va añadiendo ideas que progresivamente van tomando cuerpo con el metraje.
No es una película fácil, de las de recomendar a todo el mundo, pero es un film excelente, tanto en su ejecución como en su guión.

Perturbadora, elegante, consistente.
Muy recomendable.

Hypeando el 2013: Pacific Rim.

Guillermo del Toro es uno de mis creadores favoritos: oscuro,imaginativo, sin límites.
Si a eso añadimos robots gigantes (jaegers) pilotados por humanos y monstruos enormes a lo Godzilla (kaijus)  venidos de una grieta submarina interdimensional, la respuesta más lógica es que esté contando los días hasta que se estrene y aplaudiendo con las orejas.
Las dos.
Y a la vez.

Y en ello estoy, tragándome toda la publicidad viral, los enormes posters de cada personaje y vigilando el cielo, no sea que me aplaste un tentáculo enorme.

12 de julio de 2013, ¡no queda nada!

Posesión infernal (Evil dead) - 2013

"No está muerto lo que puede yacer eternamente..."
H.P. Lovecraft.

No creo que sea la única persona que descubrió la saga "Evil dead" al revés, de la tercera parte hacia la primera. 

Comencé por "El ejército de las tinieblas" y sus delirios pulp, espoleado por la curiosidad continué con "Terroríficamente muertos" y completé el triángulo con la "Posesión infernal" original. 

Fan irredento al instante y Sam Raimi, al estante de los elegidos con sus planos imposibles, de vértigo y su arrojo  de serie B.

Ahora llega el remake, con Raimi y Bruce Campbell en labores de producción y supervisión y con el desconocido Fede Álvarez en la dirección y parte del guión. 

Los recuerdos y lo que debía ser se topan de bruces con una nueva generación de espectadores, indiferentes ante el clásico y a los que hay que sorprender para triunfar. 

Doble peligro. 

Doblen sus apuestas, caballeros.

La película,tranquila, lo que se dice tranquila, no es.

La premisa inicial es diferente al original. 

Tenemos a una pareja de hermanos (Mia y David; Jane Levy y Shiloh Fernandez) y a sus amigos (Eric, Olivia y Natalie; Lou Taylor Pucci, Jessica Lucas y Elizabeth Blackmore) pasando unos días en una cabaña del bosque para atajar la adicción a las drogas de Mia en tan bucólico paraje. Luego, sin entrar en detalles, pasa lo que debe pasar y se monta el lío demoníaco.

Atacando a los puntos flacos de la película, la relación con los personajes es casi nula. Hay poco trasfondo (por no haber, no tienen ni apellidos...), estereotipados e inocentes, muchas veces rozando la ingenuidad mas infantil (¿verdad, David?). Las dotes actorales del reparto tampoco da para mucho mas, pero nadie esperaría un trabajo de interpretación de estudio (espero...).

Pero no nos llevemos las manos a la cabeza: el cine de terror exige personajes algo tontitos, capaces de meterse en el sótano oscuro sin darse cuenta de que alguien le observa agazapado o de ir a buscar a su perrito en medio de un apocalipsis zombie. 

Triste pero cierto.

Y si nos olvidamos de compararla con la original, ahí se queda lo peor de la película. 

Tal cual.

El libro gordo de Petete

Un buen arranque, casi un corto, pone en situación y antecedentes, para luego llevarnos por el necesario planteamiento de la historia y en menos de 20 minutos se llega al meollo, en una ascensión de tensión y sangre que prácticamente no decrece hasta el final.

La campaña de publicidad se basa, además de en la nostalgia, en anunciar "la experiencia mas aterradora que bla bla bla". Sois gente lista, se que no creéis en la publicidad. 

Miedo, lo que se dice miedo, lo que se conoce generalmente como miedo, no está presente. Tensión si, pero miedo no, lo que hace a la película menos dependiente de ir buscando el susto fácil y mas interesada en llevarla al baño de sangre de su final. Se le acusa de ser gore, de llevar la casquería a un nivel mas comercial pero no es para tanto. ¿Hay escenas difíciles de ver con sangre brotando por doquier y miembros troceados? Of course, pero no tan gore como se podría imaginar, aunque no es blanda del todo. Un buen punto intermedio.

¡Cucu!

Y si el principio era bueno, mejor es el final. Después de 80 minutos de sangre, leves guiños a las originales (¿el coche destartalado del exterior?¿por que todos los ataques dañan a las manos de los personajes?¿por que hay un personaje que lleva todos los palos, cual cartoon?), llega el giro final, que hace plantearse la película como un número 1 de un cómic, una presentación del héroe.

Este final pone el broche perfecto a la película, lleno de hemoglobina y valiente, recordando en su espíritu al de "The cabin in the woods", película que deberíais haber visto todos si viviésemos en un país civilizado. 

Un gran final, en definitiva, orgánico, sin el normalizado exceso de efectos visuales y manchándose de barro y sangre.
Un paso mas allá de lo necesario y que eleva la película a otro nivel, sin duda. 

Bien rodada, con planos realmente inquietantes y con una banda sonora muy acertada, clásica, a cargo de Roque Baños, con una sirena intercalada entre los temas que pone los pelos de punta. 

En definitiva, un gran acierto a todos los niveles y con una escena post créditos que hará sonreír a los fans clásicos.

Ya me estoy arrancando los dedos de las manos mordiendo las uñas esperando el anuncio de una segunda parte...

Sangrientamente imprescindible.

A piece of shit HD Remix

Mucho trabajo y poco tiempo para sentarme a divagar delante de un teclado hacen de este blog un sitio aburrido.
Además la cantidad de basura que veo somnolientamente no me emociona lo suficiente para que le dedique unas líneas, así; que voy a hacer un rápido resumen, amiguitos.

American Horror Story: Asylum es uno de los bombazos imprescindibles del año.

La imagen es tan espectacular como la serie.

La anterior temporada comenzaba muy bien pero perdía algo de fuelle, con un punto y final algo acelerado. En esta ocasión dejamos a los fantasmas a un lado para meternos de lleno en unos años 60 llenos de sanatorios mentales, monjas, demonios, nazis, alienígenas, locos, asesinos y zombies.
Genial y perturbadora a partes iguales, da lugar a un derroche de originalidad y buen hacer en los 13 capítulos de la temporada, con final cerrado al igual que la anterior.
Jessica Lange borda su papel y el resto del reparto no se queda corto.
El año que viene parece ser que nos esperan historias de brujas...
IMPRESCINDIBLE.

No había dicho nada de los premiados con un Oscar este año, así que iré directo al grano.

La vida de Pi tiene una buena base, una tierna historia con moraleja, un liviano tratado sobre las religiones, lleno de simbolismos, demasiado amable y positivo, con un envoltorio visual eficiente. El conjunto no destaca de la media, demasiado plana, no tan espectacular como prometía, visualmente hablando y aburrida si conoces la historia.
De buena factura y poco mas, demasiado vitalista para mi gusto.

Impecable póster.

Anna Karenina también se llevó un premio y varias nominaciones y es que, aunque sean sus primeros 20 minutos, debe ser visionada. Un ejercicio de planificación,concreción, escenografía y coordinación. La pena es que se diluye,demasiado encorsetada por la historia. Aún así es una puesta al día de un clásico, sin ofender y con clase.
Bien, Joe Wright, bien.

El vuelo es otra clase magistral de Denzel Washington, en un papel complicado, con un arranque muy bueno pero con un Zemeckis demasiado interesado en caerle bien a todo el mundo, con un final timorato y planificado para quedar bien.

Con el cine español he tenido un par de encuentros: Eva y El callejón.

Eva es una película excelente. Bien rodada, buen guión, correctos actores y con un toque Kubrick que se nota en el paladar, como si Inteligencia artificial de Spielberg (recordar que fue un proyecto perseguido por Kubrick durante toda su carrera) se topase con la ciencia ficción moderna y con un guiño a 2001 delicioso.
Quizás necesitase algo mas de tiempo para darle carácter a algunos personajes y deje algunas ideas sin rematar del todo pero es imprescindible.
Que pena que no se haga cine español así de valiente más a menudo.

El callejón es una rareza, es un corto venido a mas, con una idea correcta, sobada y una Ana de Armas como reclamo (como indican sus casposos títulos de inicio). Demasiado larga para resultar interesante, muy serie b (o z) para resultar aburrida. Al limbo.

Japón es otro mundo, tanto en cultura como en cine y Kenshin sería el reflejo de su cine comercial, de sus blockbusters. Basado en el manga/anime que pudimos ver de chavales en Canal Plus, narra las aventuras de un samurai hastiado de las batallas en un mundo post-samurais donde comienzan a aflorar los intereses mercantilistas, algo así como un 13 asesinos de Miike pero con un 120% menos de violencia. Interesante en sus momentos pausados y un auténtico festival de acción bien filmada en su tramo final.

Siguiendo con el repaso internacional no USA, hacemos parada en Francia con En la casa de François Ozon. Ozon torpedea la línea de flotación de la burguesía francesa, incidiendo en la educación, las generaciones pasadas y futuras y la familia. Excelente guión, con un final jodido y el regalo de Claude, ese joven psicópata manipulador. Muy recomendable (siempre negaré haber recomendado cine francés...)

Para compensar el ataque francófilo: El hombre de los puños de hierro.

¿Os queda claro de qué va la película?

Esta peli tiene de todo: un herrero negro en la China antigua, prostitutas asesinas de lujo, un hombre de latón, espadas, venenos, torturas,rap, los Black Keys con el tema principal, maestros budistas ayudando a comprender el Chi, un vaquero pseudosteampunk inglés con la cara de un Russell Crowe ternesco, Tarantino a la producción, Eli Roth a manos de parte del guión... Y RZA jodiendo la sesión en sus dos vertientes, como actor y como director.
Se deja ver y apunta cosas pero es sosa y tiene al protagonista más insulso del mundo. Se le podría haber sacado mucho más partido...aún así es golfa,gamberra,cutre y chinesca. Hay que verla y tomársela como es.

Headhunters es el ejemplo perfecto del género negro que viene del frío, de los países nórdicos y que tan de moda su puso a raíz del éxito de la saga Millennium. Corporaciones, conspiraciones, ladrones de cuadros, engaños, dinero y asesinatos, con Jaimie Lannister por medio, conforman un thriller modélico. Para disfrutarlo y dejarte engañar.

Efectos secundarios es la prueba fehaciente de que Sodenbergh está perdiendo fuelle (aunque ya lleve varios años deshinchándose). Thriller tipo, sin mayores sorpresas ni alardes pero que funciona, con una velada critica al sistema sanitario, un reparto funcional pero que no brilla y una caída de ritmo constante. Aun así, el estilo se impone y se deja ver perfectamente. No molesta y entretiene.

Eden Lake es una de esas películas que parecen menores a primera vista, pero dejan poso. Un poso amargo, cruel y sangriento, con una reflexión sobre la educación mas clara y directa que cualquier melodrama que presuma de ello. Hay que ver lo mal que lo pasa Fassbender, por cierto. No apta para todo el mundo pero muy recomendable.

Pues ya está. Hay mas, claro está, pero no voy a malgastar vuestro tiempo diciendo que The walking dead tiene un final de temporada horrible (en el peor sentido de la palabra), que Oz, un mundo de fantasía es terriblemente irregular, vacía, carente de gracia y que el toque de Sam Raimi solo luce unos pocos minutos al final, que Mama es un cuento de hadas macabro, disfrazado de película de terror, con el sello de Guillermo del Toro y buena factura, merecedora del éxito que ha cosechado en cine y que la nueva versión de Evil dead es...

...bueno, esta si que es una historia para otra ocasión...

Siete psicópatas

Hay veces que nos olvidamos de que el cine es un espacio en blanco que se puede rellenar con lo que se quiera para dar forma a una película, que no es más que una historia contada con imagen y sonido.

La mayoría de las veces que nos sentamos a ver una película, buscamos una historia que nos suene o conozcamos aunque sea a medias y esbozamos media sonrisa cuando el camino que observamos se asemeja a la hoja de ruta que tenemos en el cerebro. Todo correcto, todo queda en casa.
Otras veces nos zambullimos en una historia que no sabemos por donde va a tirar, que giros va a tener y la sensación de frescura resulta agradable, hipnótica.

Siete psicópatas es uno de esos casos donde dejamos a un lado la autopista y nos vamos por una carretera secundaria.

Colín Farrell es un guionista alcohólico, aunque renuncie a aceptarlo,con un guión entre manos que no acaba de arrancar. Sam Rockwell es su colega,empeñado en que termine su historia y actor y secuestrador de perros a tiempo parcial, ayudado por Christopher Walken, que secuestra chuchos para sacar dinero y así poder pagar el tratamiento de cáncer de su esposa pero se equivocan raptando a el perro del mafioso interpretado por Woody Harrelson que...


...mejor paro aquí que narrar el argumento no resulta fácil.
A medio camino de la escuela Tarantiniana y la del Guy Ritchie de Snatch, Siete psicópatas emprende un camino sin guía a través de los azarosos mares de la creación y de la locura, con unos actores que clavan sus papeles, tanto Rockwell (uno de los mejores actores de la actualidad) o Walken que haciendo de si mismo, parece que ni actúa, esta espectacular. La película también intenta hacer un ejercicio de metacine, reflejando sus carencias o ideas a través del propio film, en la piel de un Collin Farrell que tiene que soportar las críticas del resto de personajes sobre su trabajo, señalado de plagio o de la endeble caracterización de los personajes femeninos. Pero no esperéis un derroche locuaz y violento, al estilo Rocknrolla, es mas introspectiva, ligada a la naturaleza propia del cine y su proceso de creación.

Es una rareza adorable, con segmentos brillantes (las historias intercaladas, el inquietante Tom Waits o la historia del psicópata cuáquero... antológica) y un ejercicio tanto de guión como de dirección, ambas de Martin McDonagh, que hace unos añitos ya sorprendió con Escondidos en Brujas (2008).

Extraña, única y enorme, para guardar en la colección.

Django desencadenado

Una columna de esclavos negros camina por un oscuro bosque, acompañados por dos jinetes que alumbran el camino con.faroles de aceite. La imagen parece antigua y la delirante música setentera no ayuda a mitigar esa sensación.

Poco después, los esclavistas y los esclavos se encuentran con otro extraño pasajero, de acento raro, extravagantes ropajes y un carromato aún más estrafalario, coronado por una réplica enorme de un diente, haciendo equilibrios imposibles sobre un muelle.
Unos pocos minutos con intercambios de frases después, hay varios cadáveres de especies diferentes en el suelo.

Bienvenidos al western blackxplotation de Tarantino.

Decir que Quentin Tarantino ha sido el director de cine más influyente de los últimos 20 años no es decir mucho ni ninguna novedad. Las bases de su estilo son la fortaleza de sus diálogos, el respeto por los clásicos, la violencia (muchas veces mas implícita que explícita) y, diciéndolo elegantemente, sus homenajes, la plasmación de sus obsesiones y gustos en sus películas.
Django desencadenado devuelve al Tarantino mas salvaje y puro, violento, con tensas escenas llenas de diálogo y secuencias que se convierten en clásicos.

La historia no deja de ser un refrito del Django de los sesenta, donde un primerizo Franco Nero interpretaba a un extraño pistolero atrapado entre el Ku Klux Klan y los revolucionarios mexicanos, en la búsqueda de venganza por su esposa, arrastrando un misterioso ataúd. Los principales elementos de Django desencadenado ya estaban presentes ahí: venganza y esclavismo, racismo y balas. En 2007, el director japonés Takashi Miike ya hizo un remake de la historia (Sukiyaki western Django), donde incluso Tarantino aparecía en un papel.

QT cambia la historia levemente para acercarla a la cultura americana: Django es en esta ocasión un esclavo negro, separado de su mujer y que se encuentra con el Doctor Schultz (Christoph Waltz) que le servirá como detonante para su búsqueda y venganza. Éste es el trasfondo del western típico que se esconde detrás de la película pero el guión de Tarantino no se construye sobre una base tan tópica y común, detrás hay toda una estructura dedicada a desmenuzar la esclavitud y la libertad de los negros, a su manera, claro está.

Si que se distinguen dos partes en la película: una primera, donde se concentra la historia entre los personajes de Waltz y Foxx y otra con la irrupción en escena de Leonardo DiCaprio.
La primera parte quizás sea algo más ligera pero resulta muy atractiva e ideal como inicio de película. Nos sitúa, sienta las bases de lo que se quiere contar y relaciona a los protagonistas, además de darles un objetivo a cumplir: rescatar a la mujer de Django. Es casi una buddie movie, con algunas escenas brillantes ,como la grandísima parte de las máscaras del KKK, que parece sacada de un capítulo de Padre de familia o el arranque, potente pero sin llegar al grado de excelencia de Malditos Bastardos.
Casi parece una película en si misma y deja algunas ideas sembradas: ¿Son los negros esclavos porque no saben ser otra forma? ¿Aprende Django a ser libre a través de Schultz? (impagable la escena cuando Schultz le relata a Django el cuento alemán, como un profesor a su alumno, reflejado en una pared prehistórica).

La segunda mitad arranca en pleno Mississippi, con Django y su compinche urdiendo su venganza. Ahí entra Di Caprio y la película se vuelve aún más Tarantino. Largas secuencias llenas de diálogo, quizás menos inspirados que otras veces, en los mismos escenarios que se convierten en una olla a presión, tensión que se libera al final, con una masacre llena de chorros de sangre que manchan la pantalla, casi rozando la parodia con música hip hop.

Django también se enfrenta a su lado oscuro, su némesis, negro de piel, blanco de corazón, representado por un Samuel L. Jackson enorme, un Tio Tom del reverso oscuro, que hace y deshace a su antojo en Candyland. sirviéndose de las debilidades de Candy (DiCaprio), afrancesado terrateniente de extraña relación con su hermana.
Violencia descarnada, puro blackxplotation, con Django vengando su honor y el de su querida Broomhilda Von Shaft (espera, ¿he dicho Shaft?), un explosivo cameo del propio Tarantino y caballos que bailan frente a la llamas.
La imagen mas potente de la película quizás se vea al final, donde un pobre y paleto esclavo negro, que no sabe ser de otra manera, ve al hombre negro del futuro, al que puede ser dentro de un tiempo si aprende como, montando a pelo un caballo, con una escopeta en la otra mano. Libre y fuerte, furioso y vengativo.

Estilísticamente, Tarantino se apropia del imaginario propio del bastardo western europeo. Grano, luz, planos rápido y delirantes enfoques a las caras. QT sigue en su estilo, haciendo suyo lo que le gusta, sobrepasando la mera copia, el homenaje mas sincero que se puede hacer (DiCaprio blande un martillo con furia como en Oldboy, película que Tarantino defendió hasta la bronca el año que formó parte del jurado de Cannes... ¿coincidencia?).

También tenemos elementos extraños, quizás mas en sintonía con Pulp Fiction: ¿por que James Remar (ya sabéis, el papa de Dexter Morgan) hace dos papeles distintos? ¿Quién es la misteriosa mujer enmascarada (sabemos que es Zoe Bell, doble de Uma Thurman en Kill Bill y protagonista en Death proof) y que fotografía observa?
Hay cameos como Jonah Hill, Robert Carradine, Franco Nero autohomenajeándose o Tom Savini, todo un lujo para mentes subculturales.

Quizás mas cerca de Kill Bill Vol. 2 que de un Malditos bastardos o Pulp Fiction, Django desencadenado es otra meritoria obra dentro de la carrera de Tarantino, otro peldaño en su escalera maestra de obsesiones. Otra clase maestra, levemente lastrada por un exceso de duración, pero que no empaña el tremendo peliculón que es.

No malgastéis balas, cobardes, siempre podéis llevar dos armas...

Los Miserables

Antes de comenzar he de decir que la película ha sido mi primer contacto completo con la obra de Víctor Hugo en cualquier forma, ya sea novela o musical, salvo algún video de algún tema del musical.

Dicho esto y puesto todo en situación, la película de Tom Hooper (El discurso del rey) es terriblemente irregular. Lastrada por una dirección cansina, estática y oscura, la película pierde gran parte de la épica que podría tener. Y lo triste es que se ven retazos de esa grandeza, de ser una producción potente.
Los escenarios se ningunean y lo único que se aprecia en pantalla es una sucesión de primeros planos ladeados (mal encuadrados, dirán otros) en fondos que bien pueden ser la Francia del 1800 o el salón de casa de un enfermo con síndrome de Diógenes.
Este estilo llega a tal punto en que es difícil recordar haber visto los pies a algunos personajes, dando la sensación de haber visto Los Miserables, versión Muppet.
Un ejemplo claro es la escena en la taberna de Sacha Barón Cohen y Helena Bonham Carter (¿alguien se acuerda de Sweeney Todd?), donde un número musical cómico y dinámico se ve arruinado, creando confusión y malestar visual.
Quizás pueda justificarse interpretando que el director quiso dar un toque de realismo, dejar el musical sólo en que en vez de hablar, se canta, alejándose de, por ejemplo Moulin Rouge y la falta de diálogos no resulta un problema, como tampoco lo es el tener que leer subtítulos (con una adaptación mas o menos libre en algunos casos).
Pero esa justificación no me sirve, desluce la película en pro de un realismo que nunca se logra ni se debe lograr. Tanto primer plano y oscuridad no ayuda, hay una escena en que Russell Crowe canta a las estrellas...estrellas que casi no se ven, primero por el plano cortisimo de la cara de Crowe y luego por la nula iluminación.

Dejando este gran escollo de lado, Los Miserables se disfruta por dos motivos principales: la música y las actuaciones.

Uno de los principales aciertos es haber rodado a los actores interpretando los temas "en directo", dado un toque de realismo. Así, el inicio con un Hugh Jackman desolado y bastante desmejorado resulta tremendo pero la actuación ee Jackman no para ahí, resulta digna de elogio y si la peli hubiese sido titulada " Los Miserables de Hugh Jackman" no hubiese pasado nada.
No esta sólo,obviamente. Russell Crowe es un Javert casi perfecto en sus gestos comedidos, su resentimiento, su apego a la ley e incluso canta con un deje rockero nada desdeñable aunque poco estilo Broadway, para eso esta Jackman.
Anne Hathaway es otra de las grandes beneficiadas por el film. Una aparición corta pero tremendamente intensa, con una destrucción personal de esas que tanto le gustan a la academia. Oscar casi seguro.

De los papeles de los jóvenes, poco que reseñar, salvo la actitud del pequeño Gavroche (Daniel Huttlestone), que casi se marca un rap en su presentación ya que ni Amanda Seyfried ni Eddie Redmayne (Cosette \ Marius) lucen demasiado en pantalla. Cumplen y listo.

El duelo Jackman - Crowe copa la pantalla y se echa.de.menos alguna escena conjunta mas, pero mi amigo Hooper no suele gustarle el introducir muchos personajes por escena, una pena.

De la historia hay poco que contar, un clásico muy de actualidad por su trasfondo de lucha social y que poco se explota en el film, sobre todo por la sosa escena de la Barricada aunque el funeral de Lamarque    consigue ponerle los pelos de punta a cualquiera.
Otro problema puede ser el montaje ya que condensa demasiadas escenas de la trama romántica seguidas, rompiendo el ritmo de la película.

En definitiva, buena película en conjunto, con actuaciones y música soberbias pero que se ve afectada en exceso por una dirección sosa y sin nervio, sobre todo en su segunda mitad.

Una auténtica pena, porque lo tenía todo para ser muy grande, pero es una experiencia muy recomendable: su losa es lo que podría haber sido y lo que es al final, no su propia calidad.

2012: El año [Resumen]

Ya hemos dejado atrás el 2012 y, ahora que esta reposado, es hora de hacer un resumen de lo que he visto, sin ser mucho ni todo y sin orden concreto, que loa rankings ya no están de moda.

Los Vengadores fue la superpelícula del año, sin duda. Un proyecto muy esperado, con muchos cuchillos afilados pendientes y una inversión enorme, pero Joss Whedon lo hizo.

Otra vez.

Capta la esencia primitiva de los cómics Marvel, con una galería de personajes típica pero sin caer en lo trivial.
Sin demasiados altibajos, muy entretenida y con ese punto de humor que toda producción de este estilo debería tener.
Para ponernos tristes y desmontar a un superhéroe ya tenemos a Batman.

Chronicle es, sin salirnos del género superheroico, un año cero de ese estilo, un primer número que crea un universo propio basándose en los principios humanos mas primitivos: bien y mal, altruismo y egoísmo.

Excelentemente rodada, con mucho ingenio y maña, consigue llevar la historia hasta el límite y dejarla donde debe quedar.

Argo es un clásico instantáneo  al estilo del mejor thriller americano, con una.dirección clásica y eficienten a cargo de Ben Affleck, muy buen reparto (atención.al dueto Alan.Arkin/ John Goodman) y un guión a prueba de bombas, con una parte final que, aunque sepas lo que ocurre, te mantiene en tensión.

Prometheus o "La bronca del año". He de decir que sólo la he visto en cine pero prometo una revisión en casa con un blogueo grande.

A pesar de sus contras, me parece un gran ejemplo de ciencia ficción en cine. Tiene sus problemillas como un montaje deficiente, demasiada retórica para la historia que cuenta, personajes inconsistentes, una necesidad absurda de anclarse a la saga Alien que le hace perder enteros por si misma pero brilla visualmente, tiene partes muy buenas y deja lagunas (para algunos charcos,para otros océanos), cosa buena para darle al coco y conjeturar hasta el.absurdo. Y presenta a los ingenieros,una de las figuras más poderosas del último cine fantástico.
Polémica no le falta y calidad, tampoco.


Looper es otro buen ejemplo de ciencia ficción. Su primera hora es enorme, presentando un universo lleno de posibilidades, con Joseph Gordon-Levitt haciendo de Bruce Willis en un entorno neo-noire, un hijo bastardo de Origen y 12 monos.

Luego la historia nos lleva por otros derroteros, atados a la convencionalidad del cine americano pero solventando la papeleta con nota.
Una película muy cuidada, con pistas sueltas para equivocar al espectador y volverle el cerebro del revés.


Dredd sería el hermano malvado de este año, la película más Carpenteriana que jamás se haya rodado desde que Snake Pliskeen salió de Los Ángeles.

Violenta, seca, dura y lisérgica, Dredd nos deja en un bloque de Mega City Uno, la peor ciudad del mundo postapocaliptico, para que Karl Urban reparta estopa y se mantenga serio debajo de su casco.
Enorme película, injustamente ignorada.


The cabin in the woods debe estar aquí.
Whedon, otra vez.
Como os comenté, esta película es pecado en nuestro país ya que todavía no ha salido ni en formato doméstico, a pesar de darle una vuelta al terror y fantástico que hace mucho que se estaba apolillando. Entretenida, gamberra, poco convencional y casi un manifiesto de serie B, The Cabin... es una película de referencia, sin duda.

 Moonrise Kingdom es la felicidad y el amor en cine, con Wes Anderson depurando su estilo y contándonos una historieta de adultos precoces. Deliciosa.

The raid redemption es,como dice el guionista de cómic Mark Millar, " la película a la que jugaría todo el día si la hubiese visto con 7 años". Tal cual.

La mayor orgía de tortazos bien dados que se ha visto en cine. Contad con el remake, seguro.

De ParaNorman os hablé hace poco, así que ya sabéis los motivos.

Ted es la sorpresa y la comedia del año, bajo la batuta de Seth McFarlane haciendo lo que mejor sabe: provocar y hacer reír  Me hizo gracia hasta Mark Wahlberg. Muy marcada generacionalmente (¡hola, treintena!), Ted es irreverente y tierna, pero sin caer en.el vómito y la diabetes.

Por último, El Hobbit: Un viaje inesperado. Nueva obra de Peter Jackson, enorme, inflada de presupuesto y metraje pero un espectáculo que se mantiene fiel al cuento y lo enlaza a la trilogía fílmica porque a Jackson le da la gana.
Y punto.

Tiene altibajos y le sobra algo de duración pero sólo con las carreras por el reino de los trasgos (muy videojueguiles) o ese acercamiento al Jackson de los inicios, con mucha piel blanda tipo látex, amputaciones de miembros (sin sangre,claro está) o la brillante escena de los acertijos, merece la pena ser elegida. Obviamente, si no os gusto la trilogía anterior, esta viene a ser más de lo mismo, quizás menos épica y más ligera. Y la banda sonora es un lujo.

Hasta aquí los elegidos, mi olimpo particular. A sus pies hay películas como Los mercenarios 2, casposa a rabiar pero a la que le falta un plus, Brave, fría y vacía pero visualmente preciosa, Stake Land, serie B de la buena, Skyfall, de la que sólo es rememorable el desmantelamiento del personaje y su final tipo western, Luces rojas, thriller con mucho estilo, REC 3, a la que hubiese pedido más locura desenfrenada pero que me parece dignísima, la primera parte de Extraterrestre de Vigalondo, esa delicia absoluta que es Los Muppets y que obligaría a ponerla en los colegios si queremos tener un futuro mejor y alguna mas que seguro me olvido.
Acepto reclamaciones, referencias y recomendaciones.

A ver que nos depara este año.
Crucemos los dedos.

Hypeando el 2013: Evil Dead

"Evil dead" es un remake del clásico de Sam Raimi, realizado con mucho entusiasmo y poco dinero.
Este año la cosa cambia y promete ser un espectáculo gore, con litros de sangre, demonios realmente malvados y objetos cortantes por doquier, con algo mas de presupuesto, eso si.

Con el uruguayo Fede Martinez a la dirección y reescribiendo el guión y el beneplácito de Raimi, la película se estrenará en Mayo de este año (eso si no la califican como "X"...)

Mola, y mucho.
Cuidado, que salpica...

Skyfall

"Skyfall" es la película número 23 en la agenda del agente británico y la tercera desde que Daniel Craig le pusiese un rostro para el siglo XXI, después de varios problemas de financiación y cuatro años de producción interrumpida.

"Skyfall" pone a Bond frente a un espejo de reflejo incómodo con la cara de Javier Bardem y debe luchar contra el único enemigo que no va a poder vencer: el paso del tiempo o la inevitable amenaza de la muerte.
Todo comienza cuando un mercenario francés se hace con un disco duro que contiene las identidades de todos los agentes infiltrados de las agencias de inteligencia y Bond resulta herido y dado por muerto. El MI6 es víctima de un atentado y Bond vuelve al servicio, achacoso, para hacer frente a Silva (Bardem) en su plan para vengarse.

"Bond vs la muerte" sería un buen título para el film porque es de lo que trata. El mundo es cada vez mas exigente y las amenazas mas duras así que las encarnaciones de Bond deben ser menos duraderas. Daniel Craig sufre un "Sin perdón", una vuelta a lo básico del personaje en la primera mitad de la película y de la franquicia en su parte final.
Por una parte nos ofrece lo mismo de siempre, con las "marcas de la casa" intactas: inicio vertiginoso con una secuencia en tren muy espectacular aunque algo sobada a estas alturas, los títulos de crédito con un tema normalito de Adele pero con un gran estilo visual y luego se sumerge en un tedio que lastra parte del ritmo de la película aunque se recupera con un par de escenas en Shangai y Macao que nos recuerdan que estamos viendo un Bond.

Quizás tarde en salir a escena el villano de la función, un Bardem rubio peligroso y algo gay que no tiene un plan elaborado para dominar el mundo: solo quiere venganza, a toda costa, siendo el reflejo tenebroso de Bond. Donde James es leal y busca proteger, Silva quiere la venganza demente. Quizás no sea el mejor villano de la saga, ni de lejos y se salva porque Bardem le otorga un toque "Joker", pero es el que necesitaba la función, un doble oscuro de Bond, que peca de increíble al tenerlo todo (supuestamente) preparado al milímetro.

Lo verdaderamente espectacular de la película es su tramo final. Bond se ve tan acosado que necesita resetearse, salirse de los escenarios típicos y alejarse, casi a un paisaje de western escocés. Los artilugios quedan atrás, a pesar de la irrupción del nuevo Q (Ben Whishaw), un hipster de tomo y lomo, y solo quedan Bond, M (Judi Dench) y el Aston Martin para que comience el festival. Un festival de acción, de guiños a la saga, de comentarios suspicaces y de lucha de hermanos frente a su madre (tranquilos, no hay spoilers).
Y ahí crece la película: Sam Mendes rueda con mano firme, con una fotografía y una iluminación espectacular y aleja a Bond tanto de su entorno y de su propia naturaleza que lo devuelve al origen, al inicio.
Si, mas viejo y cansado, consciente de su propia mortalidad y de que todo cambia para volver a ser igual.

"Casino royale" es la mejor de las tres nuevas películas, sin duda y "Quantum of solace" es un espectáculo de acción sin paliativos pero "Skyfall" recoge lo mejor (y también lo peor) para cerrar el círculo, por ahora.
Entre lo peor quizás esté su excesivo enfoque para los fans de Bond, su ritmo irregular, el parecido argumental con "El caballero oscuro" y algunas frases de diálogo que sonrojan por su baja calidad pero se suplen con la parte final, la iluminación, la fotografía y brillantes momentos de dirección de Mendes (la escena en Shangai, por ejemplo).

Un notable alto y un placer para los seguidores de Bond.
Hasta la próxima, James.

De viajes temporales y cabañas.

Puede darse el caso de que en apenas dos días haya visto dos de mis películas favoritas del año.
Es difícil,pero puede llegar a ocurrir.

"Looper" es una de ellas, sin duda.

Hacer buen cine de ciencia ficción es muy difícil y en la actualidad, más. Ya está casi todo inventado y muy pocos temas quedan por tocar, parece que estamos llegando al límite de la imaginación humana en determinados asuntos.
Dentro de esta dinámica de imitación, de corta/pega, destaca aquel que reune lo mejor de cada idea, la esencia, y la mezcla con gusto, con algo de aire fresco.
"Looper" cumple ese requisito con creces. Es una película de viajes en el tiempo así que las referencias son claras: un poco de "Terminator", un mucho de "12 monos", estética de "Origen" un toque de "Primer", unas gotas de "Akira" y ya que tenemos a Bruce Willis en el ajo, autoreferencias al más puro estilo "Jungla de cristal".
Cóctel letal pero con personalidad propia.

La trama nos lleva a un futuro cercano, en Kansas, donde los loopers se encargan de eliminar a tipos que les mandan las mafias de un 30 años en el futuro, donde los viajes temporales están prohibidos pero son la única manera de poder cargarse a alguien. Joe (Joseph Gordon - Levitt lleno de prótesis) es uno de esos loopers y un día descubre que ha cerrado el círculo: debe terminar con su yo futuro (Bruce Willis).
Si que se diferencian dos partes diferenciadas en la película. Una primera hora de ciencia ficción pura y dura, envuelta en una estética neo noire con algo de western incluso, muy a lo "Origen" con algo de "Blade runner" flotando en el aire. Compleja en su fundamento pero muy directa en su desarrollo, con una realización técnica excelente y unas ideas muy claras.

Después del derroche inicial, la historia se mueve por caminos algo trillados, más cercanos a la acción, pero muy resultones, con escenas potentes visualmente y con un Bruce Willis sacando el repertorio de gestos característicos, aunque Gordon-Levitt también se haya pasado sus horas delante del espejo para calcar cada gesto de Willis.
Pero no acaba ahí: a pesar de su sencillez Rian Johnson deja varias imágenes y escenas sueltas,para darle un poco al coco (si quieres) y no terminar de cerrar ese loop, ese giro, sobre el que se basa la película. Es opcional, ya que la historia queda bien como está, pero ayuda a darle más aspecto de ciencia ficción aún.
Absolutamente imprescindible,puede ser que el hype le haga bastante daño, pero no pretende ser más de lo que es.
A la estantería de "Grandes actuales" junto con "Moon", " Código fuente", "Distrito 9", "Chronicle" y algunas (pocas) más.

Y si " Looper" engrandece el cine actual de ciencia ficción, "The cabin in the Woods" hace lo propio con el fantástico y el terror.

Escrita (¿y dirigida?) a cuatro manos entre Joss Whedon y Drew Goddard, nos coloca en un escenario típico y tópico del cine de terror, una cabaña pérdida en el bosque y 5 amigos jovencitos que van a pasar un fin de semana de diversión. Hasta que algo pasa y comienza la sangría.

Si a "Looper" los spoilers le pueden hacer mayor o menor daño, depende de lo tiquismiquis que seamos, a "The cabin..." la pueden hundir. Lo mejor es acercarse a ella conociendo lo mínimo y.dejarse llevar (y sorprender) desde el minuto uno. Sin ir más lejos, los primeros cinco minutos os hará preguntaros si os habéis equivocado de película al meterla en el reproductor.

Exprime, después, todos los tópicos del cine de terror de las últimas décadas ("Scream",cuánto daño hiciste...) hasta que llega un punto donde la película explota. Sin spoilers, el momento de la elección. A partir de ahí lo típico se va retrayendo, poco a poco hasta desembocar en una última media hora ANTOLÓGICA, de un disfrute profundo (siempre y cuando seas un fan fatal de la temática), una apuesta arriesgada, todo al rojo, llegando al límite de la historia planteada,como debe ser.

Es muy difícil desmenuzar la película sin reventar el.argumento y la sorpresa, sin.desvelar las influencias.
Rompiendo la fina línea entre la.comedia,con los diálogos made in Whedon, el fantástico y el terror, aunque menos terror de lo que podría parecer (no hay susto alguno), " The cabin" es un.tour de force creativo y 100% fan fatal, dirigida a un público concreto, al fandom de toda la vida, a los que.siempre queremos que la historia vaya más allá, rompa las barreras y anide en nuestra memoria como la media hora más memorable del cine fantástico actual. 
Destripa el género de terror y desmenuza sus vísceras para volverlas a colocar de una manera nueva, aportando aire nuevo y una visión moderna, que nos vamos a cansar de ver copiada en el futuro.

IMPRESCINDIBLE, sin spoilers.

Ahora un aparte para alzar una queja acerca del trato de esta.película en nuestro país. Estrenada en abril de 2012 en EEUU y varios países mas, su estreno en España había sido retrasado hasta octubre, previo paso por el Festival de Sitges. Al final saldrá directamente en dvd, al mercado doméstico, debido a la baja expectativa de recaudación en cine y por el abismo de tiempo entre el estreno internacional y el español, propiciando la presencia de versiones en alta calidad por internet.
Una pena el no poder disfrutar de esta película en pantalla grande mientras que otros productos de muchísima peor calidad (por ejemplo, "Paranormal activity 4") copan las pantallas y nuestros dineros.
Ahora bien, no hay únicos culpables, todos descargamos películas y no pasamos por taquilla, unas veces por  unas razones y otras porque no nos da la gana de esperar 6 meses para ver una película y terminar viéndola en casa en dvd, igualmente. Es una espiral peligrosa, que afecta sobre todo al fantástico.
Preocupante.

Los Vengadores

Los Vengadores

Los vengadores, los héroes mas poderosos de la Tierra, uno de los cómics de referencia, estandarte de Marvel Comics y ahora, en 2012, blockbuster monstruoso que surge para aglutinar los personajes salidos de Hulk, las dos partes de Iron Man, Thor y Capitán América. Un proyecto enorme que ha pasado por varias manos y por infinidad de cabezas hasta caer en las de Joss Whedon, decisión sorprendente en una industria que sobrevive a base de nombres, recomendaciones e imposiciones muchas veces imposibles.

La tarea no es fácil, las expectativas están por las nubes, el hype desatado y parece que la película ha llegado mas pronto de lo que un goliat de su envergadura necesita pero, joder, son los héroes mas poderosos de la Tierra y pueden con lo que se les venga encima...¿o no?

Marvel se dedicó a vender sus licencias a diferentes productoras de cine, viendo que la transición comic - cine podría tener éxito con el público y la tecnología actual. Así, Spiderman acabó en Sony, con la trilogía de Sam Raimi, Los Cuatro Fantásticos acabaron en Fox, al igual que la franquicia X-Men pero con desigual resultado y otros proyectos como Daredevil, Elektra o Ghost Rider no deberían haber salido del papel con semejantes resultados. 

Si se escogiese un punto de partida para el fenómeno, ese sería Blade.

Blade, que a nadie se le olvide, pertenece a Marvel Comics, y consiguió un pelotazo subcultural a finales de los 90 que volvió la vista al cómic una vez más, después de que se acabase el filón de Batman con desastroso resultado.

Pero entonces, en plena vorágine de adaptaciones penosas, surgió Favreau y su Iron Man con Robert Downey Jr. dentro de la armadura.

Bombazo surgido de la franqueza, de las bases de Marvel Comics y de no querer ser algo que no es: entretenimiento.

El resto es historia reciente: Marvel crea Marvel Studios para controlar sus franquicias cinematográficas sobre las que todavía tiene control y comienza a imbricar sus películas, con escenas ocultas, guiños y referencias cruzadas, todo con un objetivo común: Los Vengadores.

Pasando a la película en sí, todo en ella resulta ejemplar: desde un inicio directo y conciso a la par que espectacular, a un desarrollo muy consecuente con fases de acción espectacular a fases mas reflexivas, centradas en la relación entre los personajes.

Precisamente eso es lo que diferencia a Los Vengadores de, por ejemplo, Transformers: en Los Vengadores hay acción y destrucción pero la película gana épica cada vez que un personaje suelta una frase, totalmente acorde con su personalidad heroica (estereotipada, pero necesaria). 

Joss Whedon comprende que un cómic tan importante es el dibujo como los guiones así que en el cine no va a ser menos.

Y épica le sobra, la exuda por los poros, por cada minuto de metraje, ya sea el Capi lanzando su escudo o Banner colocándose las gafas y que culmina en una escena de la batalla final,una especie de plano secuencia que es un efecto digital en si mismo, donde todos los héroes luchan coordinadamente. 

Queda claro que la película es épica,llena de momentos de levantarse y aplaudir o si se es menos friki, de asentir con la cabeza, está repleta de humor, de guiños y todo colocado en su momento, con los personajes adecuados porque al final queda claro de Joss Whedon sabe lo que hace,conoce los cómics y conoce el cine (Serenity es la mejor película de scifi hasta que Abrahams hizo su Star Trek), no se amedrenta ante nada, por muy gargantuésco que sea el proyecto y que parece que va a recibir el reconocimiento que merece desde hace tanto tiempo.

No resulta necesario haber visto las películas anteriores pero si recomendable aunque, siendo justo, es mejor el ratito que sale Thor en esta película que en la suya propia, por ejemplo.

El guión, o mejor dicho, la excusa para la unión, no es gran cosa y bebe de las películas anteriores, sobre todo de Thor (en gran medida) y de Capitan América (en menor proporción) y no deja de ser la enésima versión de la mega amenaza del espacio exterior. Suficiente, nadie pedía otra cosa pero el guión si que brilla en la representación de cada personaje, en su propia identidad y en imbricar todo el universo, en darle cabida y cancha para crecer a cada personaje, a cada franquicia, corrigiendo errores como el desastre que fue Thor o darle aire nuevo a Hulk, dotando de humanidad a la Viuda Negra, haciendo que Ojo de Halcón lo mole todo y manteniendo el nivel con el Capi e Iron Man.

Un trabajo colosal de Joss Whedon, otra vez, capaz de unir en un guión a Los Vengadores mas clásicos a los mas modernos, a los Ultimates, creados hacia el año 2000 por una Marvel que sabía que se estaba alejando de los lectores nuevos, de las nuevas tecnologías y de un mundo menos feliz y mas cruel. Una obra maestra del cómic, escrita por Mark Millar (Kick ass) y con Brian Hitch a los lápices y que, por cierto, podéis encontrar a un precio estupendo (9,90€) en una edición muy buena y en cualquier kiosko gracias a Panini Comics.

Dos horas y veinte minutos espectaculares, de las que hace años que no se ven y que, personalmente considero que es lo mas grande que he visto en una sala de cine, atestada de gente, niños y grandes, con conatos de aplausos. 

Dentro de unos años me sentiré como el chaval que hace treinta años fue a ver En busca del arca perdida y sabía que acaba de ver historia o Regreso al futuro o Star Wars, grandes películas del entretenimiento, tratando con justicia al espectador y a los personajes que llevan tanto tiempo dando guerra desde las páginas de un cómic.

Un placer, un épico honor que hace justicia al cómic, al cine de superhéroes y al de entretenimiento.

Un rotundo diez.

Lo mejor: Todo, la escena en la que trabajan juntos, el humor, la sorpresa después de los créditos. Que se anuncie mas de media hora de metraje acabado para el Bluray porque sino la película sería demasiado larga.

Lo peor: Que se acaba, que Joss Whedon lo hace parecer tan fácil que odias al resto de directores, que el Capi no grite: "Vengadores...¡REUNÍOS!" en ningún momento.